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Sinopsis: Pelias, rey de Tesalia, se está haciendo viejo y teme que los hijos de su hermano le arrebaten el trono (pues él mismo lo hizo a su hermano Aristo). Por ello envía a Jasón, el mayor de sus sobrinos, a una misión que, espera, le lleve a la muerte: recuperar el “vellocino de oro”, la piel y pelaje de un carnero de oro alado hecho por Hermes que se decía traía la prosperidad y abundancia, de un árbol sagrado donde sería guardado por un dragón y consagrado a Ares.

Ares siembra la discordia diciendo a Zeus que Jason y sus hombres luego de tal hazaña se levantaran contra los dioses y Hera lo defenderá y asistirá.

Hombres, dioses, colosos y oráculos llevaos a la pantalla.
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Después de grandes éxitos como Los Caballeros de la Mesa Cuadrada o La Vida de Brian, el famoso grupo de cómicos, los Monty Phyton, estrenaron en 1983 el Sentido de la Vida (The Meaning of Life). La película ilustra satíricamente las diversas etapas de la vida al estilo del humor surrealista habitual de los Phyton, desde el nacimiento hasta la muerte, para al final desvelarnos cuál es, en conclusión, el sentido de la vida. Parodian a políticos y votantes, a ricos y pobres, a creyentes y ateos, con lo que llegaron a cumplir su objetivo, que como dijeron, consistía en ofender a todo el mundo. El guión de la película fue escrito por todos los Phyton: Terry Jones, Terry Gilliam, Jonh Cleese, Graham Chapman, Michael Palin y Eric Idle. La película recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de 1983, recibió un goya a la Película del Año y fue nominada a la Palma de Oro al Mejor Director.

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Basada en la novela del escritor portugués José Saramango y dirigida por el brasileño, Fernando Meirelles, la obra Ceguera nos adentra a un tiempo hipotético en que se muestra probabilidades claras, no tan sólo de lo que nos puede pasar como seres humanos, sino más bien, de cómo las conductas de las personas son los condicionantes a cambiar acontecimientos específicos de nuestra propia existencia. Es un relato que muestra a las personas en su estado más mínimo, en situaciones extremas de supervivencia, dónde un hecho extraño, según categorización de Todorov, irrumpe en la realidad y lo cambia de manera radical, dónde todos los sucesos que siguen dentro de la narración van a estar condicionados por la ceguera que afecta a los personajes de la película.

A modo de sinopsis, el film muestra una extraña epidemia de ceguera que asola todo un país. Un pobre hombre que espera en su coche frente a un semáforo es el primero en padecerla y a partir de entonces se extiende cada vez más rápidamente entre la población. Los afectados son puestos en cuarentena, pero resulta imposible contener la enfermedad y las calles acaban llenándose de ciegos que son víctimas de este inexplicable mal consistente en una infinita ceguera blanca, como un mar de leche.

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Sinopsis: Adrian Cronauer un disc jockey de la Fuerza Aérea norteamericana, nacido en Pittsburg Pennsylvania en 1938, fue enviado a Saigón para entretener a los soldados; durante su permanencia entre 1965 – 1966 puso al aire el programa “Despierta Vietnam” o “Buster Dawn”; entre broma y broma Cronauer expresaba sus puntos de vista personales sobre la guerra, los que fueron considerados por el sistema, como políticamente incorrectos. La difusión de canciones con letras contestatarias por Radio Vietnam, era la voz que llegaba al campo de batalla, a la generación que fue allí, que se mecía al ritmo del rock and roll, las drogas y el sexo, y cantaban: “Tenemos que irnos de aquí… a un sitio nuevo muy lejano”.

El descorazonador “Buenos días Vietnam” siguió siendo después de haberse machado Cronauer, un recuerdo tan vivido como muchas fotografías, hasta que al fin se hizo filme, protagonizado por Robin Williams en el rol de Adrian Cronauer, en tono de comedia y drama bélico. El guión basado en su experiencia detrás de un micrófono, en una torre de transmisión, no de vigilancia, fue coescrito por el propio Cronauer. Las canciones difundidas a lo largo de la película que sólo son un resumen de las emitidas en los dos años que duró el programa, tendió un puente entre los soldados de Vietnam y los ciudadanos en América del Norte contrarios a la guerra; la música aparece siendo claramente la vía de escape, una forma de refugiarse en uno mismo; fue la primera guerra con auriculares; en los años sesenta de allí lejos en el Sudeste asiático se podían percibir el tableteo de las ametralladoras y estruendo de las bombas de Napalm, también aquí, el eco de los disparos en Ñancahuazú; en palabras del escritor Michael Herr, “en una noche tranquila y oscura era posible oír música por todo el perímetro , podía ser Jimi Hendrix, en un solo estridente de “Little Wing” que se metía por la columna vertebral arriba, mientras el Vietcong cruzaba una alambrada a gatas”. “La música en Vietnam estaba en todas partes; su latido llegaba al corazón del horror”.

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Sinopsis: Tres hermanas, Karin, María y Agnes se citan en la vieja mansión familiar tras ser avisadas por el médico de la próxima muerte de la tercera de ellas como consecuencia del cáncer de matriz que padece. Ahora, que parte de la familia se encuentra reunida en la casa que las vio crecer, comienzan a recordar todo lo que han hecho y todo lo que ha pasado en sus respectivas vidas. Recuerdos, diálogos, gritos de la agonizante y susurros de las que la velan. El tema de la muerte, a través de los gritos y susurros de mujeres muy diferentes.

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Sinopsis: El profesor Borg, un eminente físico, debe ir a Estocolmo para recibir un homenaje de su universidad. Sobrecogido, tras un sueño en el que contempla su propio cadáver, decide emprender el viaje en coche con su nuera, que acaba de abandonar su casa, tras una discusión con su marido, que se niega a tener hijos. Durante el viaje se detiene en la casa donde pasaba las vacaciones cuando era niño, un lugar donde crecen las fresas salvajes y donde vivió su primer amor…

Crítica: Fresas salvajes no es más que un itinerario espiritual desde la vejez en busca del tiempo perdido, una película sobre la memoria, sobre el recuerdo y sobre la nostalgia. Isak Borg (Victor Sjöström) es un héroe y un espectador al mismo tiempo, y a lo largo de este recorrido termina por descubrise a sí mismo. Entre la dimensión onírica y los primeros planos del protagonista, Bergman propone describir la interioridad y hacer visible el alma humana. En la abolición de los confines entre pasado y presente, entre sueño y desvelo, entre fantasía y realidad, entre las imágenes y las reflexiones, consigue transportar a la pantalla todo lo que significa el mundo interior del protagonista.

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Sinopsis: Londres, años ’60. Thomas es un joven fotógrafo extravagante y déspota. Un día acude con su cámara a un parque público donde fotografía a una pareja. La mujer se dará cuenta e intentará recuperar el carrete, pero Thomas se las arreglará para no dárselo. Al revelar las fotos, descubrirá que en el parque había algo que sus ojos no habían sido capaces de captar.

Comentarios: La historia está basada en el relato de Julio Cortázar Las babas del diablo, aparecido en el libro Las armas secretas. Cortázar aparece como cameo en una de las fotografías mostradas en la película. En el relato, la pequeña historia y su significado es completamente distinto al del film de Antonioni. Posteriormente al estreno de la película, el director confesó que necesitaría otra película para explicar el significado de la misma. El personaje principal está inspirado en un fotógrafo real, Sergio Larraín.
La música del filme está compuesta por Herbie Hancock, pero no como banda sonora, sino como música ambiental. También aparecen en la película, The Yardbirds (con Jimmy Page y Jeff Beck) interpretando el tema Stroll On.

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Sinopsis: Tras ver morir a su marido a manos de un despiadado caza recompensas, una mujer contrata los servicios de un mercenario apodado Silencio (Jean-Louis Trintignant) para cobrar venganza.

Crítica: Esta película ha sido considerada uno de los mejores Spaghetti Western de la historia del cine. Cuenta con trepidante acción, un guión notable y la música de Ennio Morricone envolviéndolo todo.

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Sinopsis: Durante la guerra fría y con el auge del comunismo en los países asiáticos, en la década de 1960 y hasta 1980 se extendió en Estados Unidos la obsesión por el peligro de un crecimiento amenazador de la población en esos países y en general la amenaza de la sobrepoblación. Tanto el libro Make Room! Make Room!, de Harry Harrison, como la película Soylent Green son creaciones de ficción construidas sobre este fenómeno.

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Sinopsis: En el año 2022, en un futuro distópico, la ciudad de Nueva York está habitada por más de 40 millones de personas, físicamente separados en una pequeña élite que mantiene el control político y económico, con acceso a ciertos lujos como verduras y carne, y una mayoría hacinada en calles y edificios donde malvive con agua en garrafas, y dos variedades de un producto comestible: soylent rojo y soylent amarillo, la única fuente de alimentación, ya que la producción de alimentos naturales se ha extinguido por el efecto invernadero..

Contexto histórico: Durante la guerra fría y con el auge del comunismo en los países asiáticos, en la década de 1960 y hasta 1980 se extendió en Estados Unidos la obsesión por el peligro de un crecimiento amenazador de la población en esos países y en general la amenaza de la sobrepoblación. Tanto el libro Make Room! Make Room!, de Harry Harrison, como la película Soylent Green son creaciones de ficción construidas sobre este fenómeno.
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SINOPSIS: Tras diez años de ausencia, Terry Noonan (Sean Penn) regresa al conflictivo barrio de Hell’s Kitchen, en Nueva York, e ingresa en un grupo mafioso irlandés. El jefe de la banda es Frankie Flannery (Ed Harris), y para él trabajan algunos amigos de la infancia de Terry y también Jackie (Gary Oldman), el exaltado hermano de Frankie. Al entrar en la banda, renacen los sentimientos de Noonan por Kathleen (Robin Wright), la hermana de los Flannery.

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SINOPSIS: Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgård) celebran su boda con una suntuosa fiesta en casa de su hermana (Charlotte Gainsbourg) y su cuñado (Kiefer Sutherland). Mientras tanto, el planeta Melancolía se dirige hacia la Tierra…

“Una conmovedora obra maestra, marcada por una impresionante profundidad de visión (Lisa Schwarzbaum: Entertainment Weekly) “

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El mercenario y ex-soldado yankee Django (Franco Nero) llega a un desértico pueblo mexicano con un ataúd. Su objetivo: la venganza contra el mayor Jackson. Un spaghetti-western originalmente prohibido en Inglaterra por su violencia. Fan declarado del film, Quentin Tarantino ha realizado algunas referencias en su honor dentro de sus películas, como es el caso de Perros de Reserva.

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La película transcurre entre flashbacks de Matt recordando a su novia, Lisa, desde que la conoce en un concierto en Londres hasta la Navidad cuando ella vuelve a EE. UU. En esos flashbacks suceden los 8 conciertos intercalados con relaciones sexuales entre ellos.

Es una película de 2004 dirigida por Michael Winterbottom. Se rodó en vídeo digital y sin guión, los comentarios fueron improvisados por sus dos actores. La razón para que haya sexo explícito se debe a que el director leyendo la novela Plataform, de Michel Houellebecq, pensó que era “un gran libro, lleno de sexo y volví a preguntarme cómo los libros pueden hacer esto y el cine, que está mucho más preparado para ello, no”.

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El día más largo está basado en el libro de Cornelius Ryan The Longest Day. Un reparto multiestelar, conformado por actores estadounidenses, británicos y alemanes, da forma a esta épica bélica, filmada en los últimos años de gloria en Hollywood antes de la debacle de los grandes estudios, que reconstruye desde su planeación hasta su sanguinaria puesta en marcha, del “Día-D”, la operación militar que cambió el rumbo de la Segunda Guerra Mundial en la nublada mañana del 6 de junio de 1944 en Normandía.

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Malik El Djebena todavía no ha cumplido los 20 años y ya ha sido condenado a una larga pena de cárcel. No sabe ni leer ni escribir, pero esos detalles realmente no importan cuando te has convertido en el hombre más frágil de la prisión. Solo y marginado por la dura banda de los corsos, el chico debe cumplir una serie de misiones para ganarse la confianza del cabecilla. Lo que nadie sabe es que Malik aprende rápido y esa capacidad, unida a su valentía, le llevará a organizar sus propios planes.

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Stálker (Стáлкер), conocida en algunos países de habla hispana como La Zona, es una película de ciencia ficción del año 1979 del director ruso Andréi Tarkovski, basada, en términos generales, en el libro de los hermanos Arkadi y Borís Strugatski: Picnic al borde del camino.

Stalker es un guía físico y espiritual que conduce a lo s viajeros al interior de la ZONA y al cuarto en donde se cumplen los deseos. El profesor y el escritor han contratado los servicios de Stalker, pero no saben qué les espera en la ZONA, ese extraño espacio formado a consecuencia de la caída de un meteorito y que se halla acordonada bajo vigilancia militar.

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Una bella aunque sexualmente reprimida joven, Carol Ledoux, vive junto a su hermana Helen en un apartamento de Londres. Con sentimientos simultáneos de atracción y repulsa hacia el sexo, Carol es una virgen que encuentra extremadamente molesta la relación de su hermana con un hombre casado, Michael. Cuando su hermana y Michael se marchan de vacaciones, Carol comienza a desmoronarse mentalmente.
Roman Polanski,dejó una huella ineludible para el mundo del cine con Repulsión, su segundo largometraje. El terror psicológico que Polanski ofrece en Repulsión, está extraordinariamente filmado, algo que en estos días ya no es frecuente observar.

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La tranquilidad de un internado para señoritas se ve interrumpida por la aparición del fantasma de Andrea, una alumna que se suicidó cinco años atrás. De manera sutil, el fantasma va enrareciendo la atmósfera del lugar hasta que se posesiona del cuerpo de Claudia, una de las alumnas. La posesión tendrá el macabro objetivo de cobrar venganza en contra de Bernarda, la autoritaria directora del colegio.
Su popularidad alcanzada, especialmente entre jóvenes y fanáticos del cine de horror, ha generado uno de los “cultos” más interesantes de la historia reciente del cine mexicano. La película es una de las más comentadas en el creciente número de grupos de discusión en Internet. Este fenómeno ha trascendido las fronteras de nuestro país, convirtiendo a la cinta de Taboada en una de las favoritas de los aficionados al horror cinematográfico alrededor del mundo.

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Bananas, de 1971, es el tercer filme que dirigió Woody Allen, que además escribió y protagonizó. La película se desarrolla a modo de sátira política siguiendo una historia que hace bastante alusión a la Revolución Cubana (o alguna que otra sucedida en América Latina). El filme está estructurado mediante varias escenas que, por un lado responden a los hechos de la historia linealmente, y por el otro, introducen distintos sketchs cómicos que marcan el humor de la época yendo desde la influencia de los Hermanos Marx al futuro aporte de comedias como Airplane! (1980)

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